¿De qué manera siente un músico como Ken Vandermark llegar a un país tan lejano para tí como es España y encontrarte aquí en Huesca tantos y tantos fans que han recorrido incluso cientos de kilómetros para verte?
Es un tanto abrumador. Hemos hecho muchas giras con los músicos de Chicago, sobre todo en los últimos 3 años, y llegar a España y ver que tanta gente conoce nuestra música, nuestros discos… es realmente abrumador. Ver que esa música que nosotros hacemos en Chicago es comprendida fuera significa mucho para nosotros. Es como llevar la música fuera de nuestra casa para comprobarla… para ver si tiene relevancia fuera de nuestro hogar.

Sin embargo estamos ante un músico que a pesar de ser uno de los nombres propios de la libre improvisación y de la creatividad es todavía un desconocido entre el aficionado medio al jazz e incluso por parte de los propios músicos. ¿Crees que el vivir en una localidad menos popular que Nueva York como es Chicago puede perjudicarte? Incluso el grabar en sellos pequeños ¿puede ser otra de las causas?
Creo que hay varias razones para explicar esto… las dos que tú has mencionado son parte de esas razones. La mayoría de sellos para los que grabo son pequeños sellos de EEUU con mala distribución en Europa… aunque gracias a Internet esto está cambiando. Nos ayuda a vender nuestros discos.

Nueva York ha sido históricamente el centro mundial del jazz. Pero creo, personalmente, sin despreciar a los músicos de Nueva York, que esto ha cambiado. Especialmente en los últimos 30 años ha ocurrido un gran cambio. La música más creativa es internacional. Todo lo hecho en Inglaterra a fines de los 60 y principios de los 70 con gente como Derek Bailey, Evan Parker, Paul Lytton, Tony Oxley… los holandes como, Misha Mengelberg, Hans Bennink , los alemanes como Peter Brötzman y más… ellos han desarrollado música conectada con el jazz americano pero con una gran creatividad y significación histórica. En Chicago pasa los mismo en los años 80. La AACM con grupos como el Art Ensemble of Chicago… que en su momento tenía una cierta relación con Nueva York. Ahora todo eso se desarrolla en Chicago.

En la prensa se considera a Nueva York como el lugar más importante (incluso en la prensa del jazz). A mi no me interesa. Ellos se agarran a una historia cuya creatividad se acabó. Hay mucho jazz o música improvisada de músicos creativos increible de los que la prensa especializada tanto norteamericana como europea no habla… incluso los festivales se dedican a programar a aquellos músicos que trabajan sobre una música que llegó tocó ya el techo de su creatividad hace décadas. Si tu trabajas fuera de eso no hablan de ti… y eso no me molesta. Me interesa más la gente que quiere ser creativa… improvisadores que buscan su propia voz y desarrollar las ideas. Esa música de la historia claro que nos interesa… la estudiamos pero buscamos nuestro propio lenguaje… aquello que queremos decir. Yo me encuentro en conexión con la historia del jazz. La historia de individuos que en cada momento concreto se expresan individualmente… al reves de aquellos que en los 50 tocaban dixieland cuando es una música que se desarrolló en los años 20. Eso sucede ahora con músicos como los del Lincoln Center que tratan de tocar la música de Duke Ellington. Ellington tocaba su música mejor que nadie y para eso están los discos. Yo no quiero sonar como otros. Por eso a mi no me importa que no nos hagan caso. Prefiero tocar en una noche como la de hoy para tanta gente a la que verdaderamente le importa tu música. No necesitamos salir en primera página ni fotografías… porque no somos parte de eso. Aunque deberíamos serlo. Estamos conectados a una historia de la que ellos ni siquiera escriben. En EEUU por ejemplo una emisora pública emite más de 40 horas semanales de música que no es ni Thelonius Monk, ni Charlie Parker ni Coltrane… ponen gente contemporánea que imita patéticamente esa música… yo no soy parte de eso. Yo en realidad creo que en realidad estoy conectado a un músico como Monk… no digo que sea tan bueno como él… pero si que su espíritu de creatividad e individualidad son los que yo busco… no a la gente que hace malas versiones de Round Midnight.

Músico de Boston que no fue a Berklee... el motivo ¿una razón de criterio?... ¿Boston vs Creatividad?
Personalmente creo que fue una buena idea no haber ido a una academia de música. Tuve la suerte de escuchar mucha música de niño en casa. Esa fue mi mejor escuela. Soy autodidacta y muchos músicos con los que toco también lo son. Han tratado de buscar el camino hacia donde querían estar. La manera de enseñar de las escuelas que yo conozco de EEUU (de Europa no puedo hablar) es peligrosa ya que en su proceso de enseñanza borran al individuo. Les enseñan técnica y esto no tiene sentido. La técnica a no ser que sirva a una idea no tiene sentido. Tienes que tener las ideas en dirección al desarrollo de las técnicas. No puedes sentarte a pensar necesito hacer esto sin tener un propósito detrás de él. El malabarismo está vacío y en las escuelas te enseñan la destreza sin el aspecto creativo de la persona. Mucha gente va a la escuela con creatividad y el competir con otros músicos a los que se les enseña la manera correcta de tocar (de tocar un blues, unos acordes…)…es problemático.

Kent Kessler: Ken y yo hicimos un curso con los alumnos de música de una universidad. Básicamente les enseñábamos cómo trabajábamos sobre nuestra música. Al finalizar el profesor nos preguntó sobre nuestra relación con las escuelas de música… y esa era la peor pregunta que nos podía haber hecho… ya que yo nunca fui a una escuela de música. La gente que han traído a la universidad para relatar sus experiencias básicamente decían que habían sido un fracaso como estudiantes de música. Y eso es una estupidez… o eres músico o no lo eres… tener un diploma te permite enseñar como profesor graduado. A mi no me interesa y yo creo que eso hace más daño que ayuda. No enseñan a pensar creativamente… sólo enseñan destreza y habilidad porque es lo único para lo que están preparados. Uno puede tocar o no una serie de escalas y si tus ideas son distintas a la opinión pública… ¿eres un fracasado?… cualquiera que emprenda un acto creativo parece que se encuentra fuera de los límites de lo correcto. Van a la escuela con la mente abierta, excitados con ganas de tocar y se retiran amargados y no interesados en tocar.

Una de las cuestiones que más llaman la atención de la carrera de Ken Vandermark es la cantidad de discos y grupos con los que trabajas. En el caso de los discos ¿cuáles son tus objetivos?
Para mi lo más importante es tocar en vivo. La música es un proceso de forma artística. Es posible que tengas metas pero para mi todo sucede en el escenario tocando noche tras noche. Por eso me gusta hacer muchas giras… y las grabaciones son una especie de documento que refleja un punto concreto de un periodo con el material con el que trabajamos. Con los Vandermark 5 por ejemplo vamos a editar ahora el sexto trabajo. Y es uno de los 10 o 12 grupos con los que estoy involucrado. Documentar con grabaciones a ese grupo nos permite ver como las ideas cambiaron. Pero en realidad eso sólo es una pequeña parte de lo que la banda hace. No se cuantos cientos de conciertos hemos tocado. La crítica de lanzar demasiados discos…bueno… si no les gusta no los compren. Es como si alguien me criticara por hacer muchos conciertos. Los discos son sólo una pequeña parte del proceso de lo que hago. Y creo que merece ser documentado. Y si quieren saber por qué grabo tantos discos… yo trabajo en muchos grupos diferentes que cambian constantemente y creo que tener un disco de lo que hicimos en cada momento tiene su valor.

Una de las cuestiones habituales en el mundo del jazz gira en torno a las diferencias entre el llamado jazz europeo y norteamericano. Tú tienes experiencias con músicos europeos como Mats Gustaffson (entre otros). ¿Notas diferencias en la manera que tienen unos y otros de afrontar el jazz, la improvisación?
Generalizando puede haber diferencias en la manera en que los músicos americanos tienden a tocar con respecto a los europeos. Pero pensarlo así es problemático. Lo importante es la manera en que los individuos tocan. Por ejemplo has mencionado a Mats Gustaffson. Mats es parte de la escena sueca pero él no representa la manera en que esa escena trabaja. Si miras a Stenson y el grupo Gassss parecía que esa era la manera sueca de tocar free. Podía haber una cierta relación pero la manera en que toca Mats es absolutamente personal. Y eso también sucede en EEUU. Podrías pensar que los americanos enfocan de una manera similar en torno al groove (ritmo, armonía, melodía…). Pero si escuchas por ejemplo a Joe Maneri o a su hijo Mat Maneri… de acuerdo, puede que ellos también lo hagan… pero de una manera más abstracta. Si lo comparas con mi manera de tocar esa música es posible que ellos lo desmenucen y lo muevan más. Al tocar con músicos tanto europeos como norteamericanos es como si intentara disminuir la brecha entre estas culturas. Dentro de Europa cada país tiene unas diferencias culturales, a la vez que cada país tiene las suyas propias. Pero yo estoy más interesado en trabajar con individuos. No me importa si están en Chicago, en Nueva York, en Estocolmo. Las diferencias geográficas han disminuido. Antes trabajabas con gente de tu ciudad. Ahora trabajas con gente de tu pais, o con gente que vive al otro lado del charco. Ya no importa tanto… se trata de encontrar la gente adecuada para comunicarte… y si claro, cuesta dinero viajar a Oslo… pero si allí está la gente adecuada para tocar vamos y tocamos. La gente con la que tiendo a tocar tiene un punto de vista similar. No quieren tocar conmigo porque sea norteamericano… les importa un carajo. Les importa tocar música sin importarles si esto es jazz o no… les interesa integrar elementos musicales que están fuera del jazz pero que les interesan. Por ejemplo cada uno de mis proyectos tiene elementos musicalmente interesantes para mi y que en muchos casos están fuera de lo que es estrictamente la historia del jazz. Y eso es hoy mucho más común que hace 30 años cuando la gente dividía los géneros.

Los ingleses por ejemplo estaban preocupados por separarse de la tradición americana para definir su propia personalidad. Desarrollaron proyectos asombrosamente innovadores. Eso ya no es tan común. La gente trata de integrar todas las ideas para tocar juntos en vez de crear sus propios espacios exclusivos.

Pregunta propia de los aficionados a Ken Vandermark... tus próximos proyectos... entre otros, creo, un disco de saxo sólo
El disco de saxo solo lo grabé en Agosto y todavía está para editar. Saldrá probablemente a finales de abril en el sello OKKA. Es mi primer solo. Tenía esa idea hace tiempo. Intento sonar como yo, no yo intentando sonar como Evan Parker, o como Anthony Braxton o Peter Brotzman o Mats Christensen. Es un enfoque personal. Me interesaba hacer más conciertos en solo y sólo lo he hecho en Chicago esporádicamente. Aunque me interesa trabajar con otros músicos.

En nuevos proyectos hay un trío con Pals Nilsen Love y Nate McBride con quienes quiero trabajar más. Quiero mantener muchos de los grupos. La Territory Band, los Vandermark 5. Con el LKV espero hacer más cosas. Con el Brotzman tentet … espero mantener los grupos más creativos como los Vandermark 5. Hemos estado juntos largo tiempo con pocos cambios de nombres. La banda sigue teniendo ideas cambiantes y con mis propias ideas. A pesar de esto también me gustaría trabajar en nuevos grupos y músicos. Quiero trabajar más con Paul Lytton y otros músicos. Tengo también un trío con dos músicos de Oslo con los que tocaré clarinete bajo. Clarinete bajo, piano y contrabajo. Es un grupo muy acústico y que se relaciona de alguna manera con lo que hizo el Jimmy Giuffre Trío. Y de alguna manera quisiera hacer más con ellos y con Bley también. Quiero mantener aquello que es verdaderamente interesante y que aporta nuevas cosas para mantener mi cabeza estable (risas). Ahh, del proyecto saxo solo. La música no funciona en base a una melodía concreta es más un estudio de caracteres de sonidos, de personalidades. En el disco creo que he puesto 13 piezas y hay como otras 5 más. Hice 13 que grabé en casa porque tiene buena acústica y después grabé en concierto entre los días que grabé en casa. Quiero poner 5 versiones de esta mismas piezas en el concierto en vivo esperando que demuestren que aún teniendo un carácter específico pueden fluir en la manera de interpretarlas. Todo puede afectar… la acústica de ese día, cómo yo me encuentre. Temáticamente alguna de las piezas tiene material melódico, pero no está escrito. Es más una reinterpretación de un sentimiento. Tiene material específico pero fluye en la manera en que lo interpreto. Lo que sucede en solos es que eres tú trabajando en tus ideas. Mi idea era intentar inventar una manera de trabajar con las acústicas de las piezas. Cuando trabajas con otros músicos trabajas también con sus ideas y ellos te pueden ayudar a resolver un problema. Cuando trabajas sólo no tienes ningún apoyo y esa es la gran lucha.

Dicen que la música es un lenguaje internacional. Dado los tiempos tan especiales que vivimos quizás algunos debieran escuchar más música.
Las cosas están tan jodidas ahora. Creo que algo que proporciona un descanso de eso, una oportunidad de salirse de ahí aunque sea por un minuto o darte optimismo sobre la raza humana es algo positivo. Vivimos una época muy oscura y espero que EEUU vaya más lentamente y no se lance a un enorme error. Creo que las artes son cruciales. Son las cosas en las que yo me apoyo para mantener mi esperanza en la gente. Cuanto peor están las cosas más optimismo necesitamos. Y si la música permite a la gente mantener su esperanza entonces estoy orgulloso de ser parte de eso y espero estar contribuyendo en vez de hacer algo negativo. No necesitamos ahora nada más negativo.